renacentismo (cinquecento y quattrocento)

El renacimiento es el periodo en que se retorna a los principios de la cultura clásica, osea el Roma y Grecia de la antigüedad, pero actualizándola atravez del humanismo y sin rechazar la tradición cristiana. Lo religioso es substituido por una afirmación a los valores del hombre.

En las artes el Renacimiento implica que se va a cambiar la forma en que se crean obras de arte, osea se va a cambiar la forma en que se hacen las cosas. Nosotros le decimos a eso que va a haber un cambio formal, o de forma. Por ejemplo la forma en que se representa a las estatuas cambia; durante el periodo Gótico las estatuas no lucian tan reales, pero ahora los artistas de Italia comenzaran a dejarse llevar de las estatuas de la antigüa Roma las cuales abundaban en todas partes haciendo sus estatuas lucir realistas.

Se comienza a estudiar la naturaleza a fondo y se crea la perspectiva para hacer lucir las cosas mas reales, con profundidad científica y no estimada. El cuerpo humano desnudo será la suma de las perfecciones y los artistas lo usaran para establecer relaciones de escalas a sus edificios.
El Quattrocento

Durante este periodo arquitectónico se comienza a utilizar de nuevo los elementos de construcción y adorno del periodo clásico (antigua Roma y Grecia) tales como las columnas doricas, jónicas y corintias las cuales fueron usadas originalmente por los Griegos en sus templos. También los techos y las cúpulas comenzaron a hacerse parecidas ( aunque un poco diferentes) a las antigüas. Las Iglesias se comienzan a construir con un plan central (la cupula en el centro con todos los pasillos o naves saliendo de este centro) radial opuesto a la forma de las iglesias Góticas que contenian un pasillo (nave) largo.

En Florencia el primer gran arquitecto lo fue Filippo Brunelleschi (1377-1446) a quien se le debe la construcción del domo de la catedral de Santa Maria de las Flores en esta ciudad. Esta cupula consta de dimensiones colosales y la manera en que se construyo fue muy ingeniosa. Averigüe como se construyo esta, que la hace diferente de las cupulas construidas anteriormente.

Durante este periodo se trabajan los edificios usando sistemas de proporciones matemáticas, se usan decoraciones iguales a las encontradas en los arcos de triunfo Romanos. Podemos concluir que la importancia del Quattrocento fue la introducción al lenguaje clásico.
Personalidades de este periodo lo fueron Fra Angelico, Masaccio y Mantegna.
El quintecento vino despues y trajo muchos cambios.

El Cinquecento

Este supone la culminación del proceso renacentista y al mismo tiempo su crisis. La suprema perfección obtenida en los últimos años del siglo XV, que es la expresión adecuada al optimismo humanista y asu visión de un mundo en orden, encuentra su forma perfecta en el equilibrio de Rafael y del joven Miguel Angel. Es un mundo de belleza, equilibrio, grandiosidad y orden. Frente al sentido menudo y múltiple del Quattrocento se buscan las formas severas y monumentales y una sensación de rigor, plenitud, y unidad lo llena todo. Pero el mundo no era en modo alguno perfecto y pronto el panorama europeo comienza a presentar aspectos confusos y dramáticos. A la par que los descubrimientos geográficos y científicos obligan a replantearse la ordenación de los conocimientos establecidos, la reforma religiosa cuestionaba verdades hasta entonces aceptadas, y la economía europea se desajustaba de modo muy grave. El arte, especialmente la pintura, se repliega sobre si mismo en fecha relativamente temprana.
Rafael muere en 1520, y en 1527 tiene lugar el saqueo de Roma que dispersa el grupo de sus discípulos que continuaban trabajando en la ciudad. En las ciudades ya no son los gremios y la alta burgesia quienes realizan los encargos, sino núcleos más cerrados de la aristocracia. El arte se vuelve sobre sí mismo y se hace caprichoso, imaginativo y extraño. Se pierde la claridad renacentista y se hace tortuoso y dificil de entender por su carga intelectualizada, que traduce muchas veces un evidente pesimismo. Es el fenómeno llamado Manierismo. Solo Venecia, que mantiene su predominio económico y tarda tiempo en ver las consecuencias de la crisis, mantiene un arte apoyado en la realidad visible y en el gozo de los sentidos, que por su carga de inmediata sensualidad y confianza en el mundo será de enorme trascendencia cuando, con el naturalismo barroco, se pretenda volver a la conformidad con la realidad.

 ARQUITECTURA

ESCULTURA

 Obra de temática religiosa, titulada "Piedad del Vaticano", esculpida en 1498 por Miguel Ángel, autor del Renacimiento italiano y concretamente, del Cinquecento (siglo XVI).
Miguel Ángel representa en esta obra una concepción de la belleza idealizada, joven y eterna, insensible al paso del tiempo, lo que demuestra a todas luces la talla de genio de este artista del Cinquecento de quien se cuenta que afirmaba que "las personas enamoradas de Dios no envejecen nunca". Nos encontramos ante una representación de la Piedad, el momento en que María sostiene sobre sí misma el cadáver de su hijo Jesús, recién bajado de la cruz.

PINTURA

Arte manierismo

Hacia la tercera década del siglo s. XVI podríamos decir que la práctica artística había desembocada en una clara tendencia de reacción anticlásica que ponía en cuestión la validez del ideal de belleza defendido por el alto renacimiento.
Rasgos del Manierismo:
Liberación del culto a la belleza clásica y a sus componentes básicos, tales como la serenidad, el equilibrio o la claridad. Este paso se inicia con laguna obra de Miguel Ángel o Rafael.
Insumisión a la verosimilitud. Las obras reflejan una tensión interior que terminan con el irrealismo y la abstracción, olvidando la relación obra representada/escenario.
Convencionalismo en el color, proporciones y disposiciones o posturas de las figuras humanas pintadas o esculpidas. 

LA ARQUITECTURA MANIERISTA

Entre sus características destacan:

• La arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, con lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista.
• La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva.


• La pérdida o debilitación de las coordenadas axiales, las que ordenan el edificio según un eje de simetría.

Destaca el Palacio del Té, en Mantua, obra de Giulio Romano.

 

 

MANIERISMO ESCULTÓRICO

Hay preferencia por la figura “serpentinata”, contorsionada con artificio de formas que dibujan la ascensión helicoidal.
Destaca Juan De Bolonia con la Fuente de Neptuno en Bolonia y el Rapto de las Sabinas.  

PINTURA MANIERISTA.

Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones.
Las proporciones anatómicas se alteran a su voluntad. El alargamiento de las figuras es constante. Ej: Madonna del cuello largo de PARMIGIANINO.

arte novohispano

Durante la extensa charla, que duró más de dos horas, Consuelo Maquívar proporcionó información, muy apreciada por todos los asistentes, por lo amplio de la conferencia que impartió ante los duranguenses, que quedaron complacidos con el evento al que asistieron. La conferenciante manifestó que la iglesia al luchar contra el protestantismo que decía que las imágenes no deben utilizarse porque la gente las convierte en ídolos, respondía que la gente al admirar las imágenes quiere ser un reflejo de ellas. Después habló de la vida de San Agustín, de su madre Santa Mónica y de su amigo San Ambrosio, de los tres proporcionó datos muy interesantes, además de hablar de la fundación de la misión de los agustinos. Al hablar del Convento de Atopan, Hidalgo, dijo que el refrectario cuenta con la bóveda más linda que haya visto, y que fue restaurado muy acertadamente. De Tecamachalco, Puebla, dijo que es un convento más pequeño que el de Atopan, pero que tiene una pintura extraordinaria. “Toda la bóveda tiene pintura sobre papel amate, fue pintada por un indígena, Juan Herson; los investigadores pensaban que era un pintor flamenco, con el paso de los años descubrieron que había sido un indígena, bautizado con el nombre de un filósofo medieval; Herson ya era parte de la sociedad porque vestía como español y montaba a caballo”, dijo. Explicó que al pintar sobre el muro seco, la técnica se llama falso fresco, y que la adherencia la preparaban con las babas de las plantas. PINTURA Juan Correa nación en la ciudad de México. Se cree que Juan Correa fue discípulo de Antonio Rodríguez y que por ello desarrolló un arte en el que se revelan efectos de color así como dinamismo academicista, que son características dist inguibles de la pintura europea. Existe dentro de su trabajo el uso de tonos dorados, otra característica de la pintura europea, así como suntuosidad y un carácter decorativo en la pintura. Juan Correa (1645 – 1716)    ARQUITECTURA Cristóbal de Villalpando Cristóbal de Villalpando, sus primeros trabajos localizados se remontan al año de 1675 en el retablo mayor del convento franciscano de San Martín de Tours de Huaquechula donde se encuentran 17 pinturas suyas; sin embargo no debe tomarse esa fecha como el inicio de su trayectoria artística. Aunque no se tiene la certeza, se puede inferir que el pintor nace en la Ciudad de México en el año de 1649. Poco es lo que se conoce acerca de su infancia y adolescencia, siendo los primeros datos conocidos la fecha de su boda en el año de 1669 (de donde se hace un cálculo de su fecha de nacimiento de acuerdo a la edad que podría tener al momento de contraer nupcias). Se casa con María de Mendoza con quien tendría cuatro hijos. Sin lugar a dudas, Villalpando fue uno de los pintores de la ciudad de México más destacado durante los últimos años del siglo XVII, prueba de ello es el ciclo de pinturas triunfalistas que le fueron encargadas por el cabildo de la Catedral de México, para decorar los muros de la sacristía de dicho templo. Los lienzos que ejecutó para esa ocasión fueron: El triunfo de la Iglesia católica, El triunfo de san Pedro, El triunfo de san Miguel (conocido como La mujer del Apocalipsis) y La aparición de san Miguel en el Monte Gárgano. Lamentablemente y a causa quizá de fallas tectónicas en las bóvedas del edificio, Villalpando no pudo concluir el ciclo de seis lienzos, mismos que completó Juan Correa. La Asunción de la virgen, sacristía del Templo de Santa Prisca

neoclasicismo

El Neoclasicismo aparece hacía el fin del siglo XVIII y perdura hasta los años 1830. Aun que se desarrolle sobre todo en el norte de Europa, no tarda en llegar a America.
Expresa una reacción de la burguesía contra el rococó, -la reacción de la virtud contra la decadencia- y pretende simplificar.
Adopta y promueve algunas de las ideas básicas de la revolución francesa: glorifica las grandes virtudes de la antiguedad, acepta el paganismo y agrega la ciencia a la emoción.
El imperio de Napoleon Bonaparte pone énfasis en los valores de la civilización romana.
El neoclacisismo no adopta solamente los ideales antiguos. Debido al desarrollo de la arqueología, intenta también reproducir las formas griegas y romanas con una precisión que los artistas del renacimiento no habian buscado.

La Arquitectura Neoclasica.

En esencia, la arquitectura neoclasica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, mas no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema metrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano.       La Escultura Neoclasica   Desde luego, la escultura neoclásica se inspira tanto en el realismo romano como en el idealismo griego. Los dos artistas que dominan el escenario favorecen el idealismo griego: se trata del italiano Canova y del danes Thorvaldsen La Pintura Neoclasica. Los principales pintores neoclásicos son dos franceses: David y Ingres. Jacques Louis David (1748-1725) inicia como artista oficial del gobierno revolucionario frances y termina como artista oficial del gobierno napoleonico. Su pintura defiende las virtudes tradicionales de la republica romana y la pompa imperial según la imagen transmitida por la tradición

arte postimpresionismo

El término «Postimpresionismo» fue acuñado por el crítico británico Roger Fry. En 1910 organizó en Londres una exposición sobre pintura francesa de finales del s.XIX que tituló «Manet y los postimpresionistas». Los artistas que mejor representados estaban en dicha exposición fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

Fry reconocía que «Postimpresionismo» era un nombre bastante impreciso, ya que estos artistas sólo tenían en común una ambigua relación con el Impresionismo, del que parten para tratar de superarlo por diversos caminos.

Sin embargo, el término hizo fortuna, y su uso se ha extendido desde entonces para referise a artistas que, partiendo del Impresionismo, tratan de superar sus planteamientos expresivos, como Paul Cézanne, Paul Gauguin o Vincent Van Gogh.

Pero el Postimpresionismo es importante en la Historia del Arte porque, con sus innovadores propuestas abren el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. El Fauvismo, Cubismo o Expresionismo no se pueden entender sin la influencia de los Postimpresionistas.

pintura  La noche estrellada. Van Gogh.

El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

 

ESCULTURA

Jean Baptiste Carpeaux se caracteriza por el intenso movimiento de sus obras y el realismo pictórico que lo enlaza con la tradición barroca. Su mayor hallazgo lo constituye el grupo de la Danza que decora la fachada de la Opera de París.

Algunos pintores impresionistas se dedicaron también ala escultura. Uno de ellos fue Renoir quien, en su vejez, creó algunas obras plásticas donde reproduce los temas de sus cuadros; como en “Madre e hijo” de 1885. Degas también incursionó en la escultura; su obra, en general fundida en bronce, son estudios de movimiento conectados con su obra pictórica. Entre ellas se destaca “Danzarina con tutú”, única obra expuesta sobre su vida.

El más celebre escultor de este período fue Augusto Rodin (1840-1971) quien se inspira en Miguel Ángel y el la escultura gótica. La obra de Rodín se caracteriza por la dramática movilidad de los cuerpos, una marcada tendencia al boceto y por la expresión dolorosa de sus grupos y figuras. En los “Burgueses de Calais” inaugura una posibilidad nueva: el inacabado de sus obras. El “Sueño del Escultor” y el “Pensador” revelan el interés de Rodin por la obra de Miguel Ángel.

ARQUITECTURA

En capítulos anteriores han sido esbozadas las características de la arquitectura del siglo XIX: el surgimiento de los estilos del pasado como el gótico, el renacentista, el barroco y, por otra parte, el nacimiento de nuevas corrientes constructoras. No se tardó en comprender que, pese a los nuevos aportes, la ciencia arquitectónica del pasado no se adaptaba a las necesidades presentes.

No fue fácil dejar de lado concepciones arraigadas y ni siquiera un precursor como Labrouste (iniciador de la construcción en hierro colado) pudo concebir soportes que no fueran columnas con sus correspondientes capiteles y bases. Sir Joseph Paxton (1801 – 1865) construye la primera obra que se aparta de los cánones tradicionales. Se trata del Palacio de Cristal de 1851, destinado a albergar la primera exposición internacional, cuya estructura era la de un gran invernadero con su esqueleto de hierro totalmente a la vista.

El nuevo estilo arquitectónico que comienza a cobrar importancia hacia 1880 se caracteriza por tratar de dar funcionalidad a los edificios sin perder por ello la belleza. Este estilo se aplica a la reconstrucción de la ciudad de Chicago, cuyo incendio en 1870 dio la oportunidad a los arquitectos para emprender novedosas estructuras.

Máximo exponente de lo antedicho fue el rascacielos original de Chicago y los almacenes Marshall Field de 1885. Estos últimos fueron construídos por Henry Hobson Richardson, quien levantó una estructura simétrica, como la de los palacios renacentistas, que ocultaba tras los muros, el esqueleto de hierro que soportaba las siete plantas del edificio.

El rascacielos Wainwright Building de Saint Louis (1890-1891) fue construido por Louis Sullivan y presenta diferencias notables con la obra de Richardson. En éste el esqueleto de hierro está a la vista dando una impresión de enrejado vertical.

Los nuevos materiales y técnicas fueron aplicadas a la construcción de puentes; entre ellos se destaca el puente de Britannia (Gales) que es el primero con armazón de hierro, y el puente sobre el Elba en Hamburgo.

La Torre Eiffel, construída en 1889 para la exposición Internacional de París obra de Gustave Eiffel, se convirtió en el símbolo de la nueva época. La torre fue el resultado de las pacientes investigaciones matemáticas y de las experiencias con los nuevos materiales realizadas por los ingenieros del siglo XIX. Esta construcción de 333 metros es la más alta de Europa y su elegante figura se levanta como símbolo de París. Su estructura es sobre todo una exaltación al progreso.